Francesca Comencini’s Il tempo che ci vuole (The time it takes) is a film of extraordinary beauty that touches the deepest chords of the human soul. This film is not just an autobiographical account but also a tribute to the relationship between father and daughter, a reflexion on cinema, love, and inner growth. The director offers us a poetic and authentic masterpiece that not only deserves a 10/10 but could undoubtedly compete for an Oscar.
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The film is set during Italy’s Years of Lead, a period of political and social turmoil, but its true strength lies in depicting a family microcosm. At its heart is a father, Luigi Comencini, a highly esteemed director, who chooses to stand by his daughter Francesca, helping her overcome her struggles with drug addiction. The story is not just about physical recovery but also about a profound emotional connection – one of transformation through unconditional love.
The bond between the two protagonists is stunning, marked by a rare intimacy. The father figure is one of respect, strength, and support, but also of great vulnerability. Their exchange of thoughts and the creativity they share – whether reading Pinocchio together or choosing music for the film – illuminate the story, drawing the audience into this special connection.
One of the most moving scenes takes place in Rome’s Piazza del Popolo, outside the circus, where Francesca confesses her fear of the whale. Her fear mirrors childhood memories, a universal emotion that speaks to everyone, turning the scene into a small miracle of shared feelings. The background music, Stasera mi butto, adds to the tenderness of the moment.
Beyond exploring family relationships, the film also reflects on cinema itself. Luigi Comencini’s respectful and human approach to film-making serves as an artistic inspiration for Francesca. His motto – “life first, then cinema” – resonates throughout every frame, demonstrating that true art is born from the depth of human experience.
This film, with its elegance and profound humanity, is a true tribute to a father figure we all wish we had. Il tempo che ci vuole conveys a universal message: genuine, unconditional love can heal, save, and transform. A must-watch, because – as the title suggests – it is precisely the “time it takes” that makes all the difference in human relationships.
Francesca Comencini has created a film that is not only a great act of love towards her father but also a lesson in cinema, life, and hope. A film brimming with love in every scene – one that will stay in the hearts of those who watch it.
Il tempo che ci vuole premiered out of competition at the 81st Venice Film Festival and was released in Italian cinemas on 26 September 2024, receiving critical acclaim for its beauty and sincerity. It is a declaration of love that endures over time, an example of how art and life can intertwine to create something truly powerful. From 12 to 16 March 2025, the film also arrived in London at the Cinema Made in Italy festival.
And now, enjoy my interview with Francesca, which moved me to tears at several points during our 40-minute conversation.
Monica Costa: Your film tells the story of your journey through the Years of Lead, addiction, and your father’s love. The relationship with your father in the film is one of creative exchange and profound thoughts. How would you describe this relationship, and how does it reflect in the cinema you created together?
Francesca Comencini: I’m very happy that you liked it so much. There are very few films that explore this fundamental bond between father and daughter – a relationship that, from birth to old age, is the foundation for every woman. This story is told from the daughter’s perspective.
My relationship with my father is at the heart of the film, and it’s difficult to define because it has so many facets. It’s certainly a very deep relationship, where these two people truly see each other – not just as father and daughter, but as two individuals who recognise one another’s essence.
In many family relationships, people look at each other, live under the same roof, yet don’t truly see one another. In this case, however, these two people see each other for who they really are – most importantly, they see each other’s vulnerabilities. That is the crucial point of our relationship, and it’s reflected in the cinema we created together.
It’s quite unusual, because parents usually feel the need to project strength. But in this case, my father set an example of strength by showing his own vulnerability. That’s rare for a father. He dismantled the traditional obligations of success and strength, teaching me that true resilience comes through acknowledging and recognising one another as human beings.
Monica Costa: Your father, when speaking about Lucignolo in Pinocchio, teaches you that freedom is profound and that there are no bad children. How did this perspective shape your own understanding of freedom and influence your life?
Francesca Comencini: My father’s perspective on freedom was fundamental to me. His was a fairytale-like yet deeply ethical stance – he believed that no one is born bad. Even the most troubled characters have a story worth telling, something within them that deserves to be seen.
My own idea of freedom was more rebellious and anarchic than my father’s (which caused him great distress). However, the concept of freedom within the limits of respecting others – without judgement – has stayed with me.
Monica Costa: These are profound concepts. The film is beautiful because it expresses them in a simple, visually poetic way, making them easy to grasp. It’s intuitive on multiple levels and very clear.
Francesca Comencini: That’s a great compliment because that’s how cinema should be – but, unfortunately, it often isn’t.
Monica Costa: The circus scene in Piazza del Popolo, where you fear the whale, reminded me of a similar experience with my father when he took me to see the dolphin show in Riccione. What did that moment mean to you, and how does it tie into the film’s themes of fear and paternal support?
Francesca Comencini: That scene is deeply significant. The fear of the whale represents something universal – childhood fears that stay with us even as adults. No matter how much we grow, certain fears can resurface, especially in challenging situations.
We all have a “circus tent” that scares us. But in this scene, the father recognises his daughter’s fear. He notices it. He’s a father who truly sees his child, even in ways that many parents might be afraid to acknowledge – such as their children’s fears and vulnerabilities.
Yet, he helps her face it. I’m glad you brought up that scene because it’s very important to me. The father remains strict, gets angry, and maintains his parental role while still respecting his daughter’s fear. He acknowledges it but also challenges her to confront it. It’s a moment of separation – he lets her take responsibility for her own fear. It’s a powerful lesson.
Monica Costa: The whale is almost a recurring motif throughout the film – a red thread linking everything together.
Francesca Comencini: Yes, it’s a very powerful moment. The fear of the whale lingers, even as the child grows up. It’s a metaphor for universal fears that remain with us long into adulthood.
Monica Costa: Your film is set during the Years of Lead. How did that period influence you, and how do you think cinema and art can help narrate moments of crisis?
Francesca Comencini: The Years of Lead were an extremely difficult time, marked by collective traumas such as the Piazza Fontana bombing and the kidnapping and murder of Aldo Moro, but also by intense artistic and cinematic activity, which became tools for reflexion and testimony.
That era influenced me greatly, as it represented not only a period of social conflict but also a cultural fracture. For me, cinema has always been a means of telling the story of these moments of crisis – of trying to understand them and engage with the past, so we do not forget. But it is also a way to explore the present, to question how certain dynamics, fears, and conflicts remain relevant today. Art has always served this purpose: to recount crises so that the audience does not forget them but instead faces them with greater awareness. These stories can serve as testimonies that resonate in this accelerating world.
Monica Costa: Your father was by your side during difficult times, such as when you were battling addiction. What role did parental love play in your recovery, and how has it influenced your approach to art?
Francesca Comencini: As I depict in the film, my father saved my life with immense kindness and determination. He gave me life twice. And he taught me everything about life. This film is my way of saying thank you, even though he has been gone for some time now – because it is never too late to say thank you. His presence lives within me. The film is a powerful outpouring of love, expressed at full volume, to convey that gratitude.
Monica Costa: Was there a particular moment on set when you felt especially close to your father – not just as a director and daughter, but as two people sharing a profound artistic experience?
Francesca Comencini: In reality, we collaborated very little. I was on set as a child, but then I followed my own path. I took part in his last film, which I included in my own film – it was Marcellino pane e vino (the remake). I have always felt very close to him, but perhaps even more so on the set of Pinocchio, because I was a child then, and although I had no understanding of how films were made, I could sense my father’s happiness.
He had dreamt his whole life of making Pinocchio. Outwardly, he seemed stern and serious, even though he was incredibly gentle. But on the set of Pinocchio, he always had a slight smile on his face. It was as if he was floating on a cloud of happiness because everything he loved was there: childhood, fairy-tales, and the portrayal of Italy’s impoverished rural society, told with both rawness and magic.
In the end, he put into practice what he believed in: that there is nothing more magical than reality itself. What stayed with me was the image of my father, truly happy. The scene of the twilight light on horseback – the light of dusk – and the little girl imagining her father arriving on horseback, bringing her fireflies, still moves me deeply.
Monica Costa: If you could go back in time, which moment with your father would you relive? And what do you hope the audience takes away from your film?
Francesca Comencini: If I could go back, I would relive my pre-adolescence, before my troubles began – when I spent all my time talking about books and art with my father.
I wish I hadn’t disappointed him so much by doing what I did – things I’ve spent my whole life feeling ashamed of in his eyes. If I could go back, I would return to the moment before I made mistakes. But since that is impossible, we must accept that we are also shaped by our mistakes, which is something I tried to convey in this film.
If I could turn back time, I would return to when he wasn’t yet ill, and I was still a girl – but just a little older – so that I could resume the conversations we used to have.
With my film, I want to celebrate failure – not as the opposite of success, but as the very condition that makes success possible. If a father can give his daughter one gift, it is the permission to fail – telling her, “I have failed too. I was just like you.”
Monica Costa: The film reflects on the theme of freedom – the freedom to be oneself, to create, to confront one’s fears. What does freedom mean to you in this context, and how does cinema become a tool for liberation?
Francesca Comencini: Freedom is a deeply intimate feeling, something within you that cannot be defined. It is something that your parents allow you to have, but it is not an irresponsible freedom.
For me, freedom must be tied to a sense of responsibility. It is something intimate that pushes you to act, but it is never separate from duty. Freedom is about limits and responsibility.
Monica Costa: I hope this film brings you great success. You truly deserve it.
Francesca Comencini: It is already bringing me so much love – like the love you have shown me, Monica. If this outpouring of love reaches those who watch it, that will be the greatest gift.
A tu per tu con Francesca Comencini per parlare del suo
film “Il tempo che ci vuole”
Il tempo che ci vuole di Francesca Comencini è un film di straordinaria bellezza che tocca le corde più profonde dell’animo umano. Questo film non è solo un racconto autobiografico, ma un omaggio alla relazione tra padre e figlia, una riflessione sul cinema, sull’amore, e sulla crescita interiore. La regista ci regala un’opera poetica e autentica che non solo merita un 10/10, ma potrebbe senza dubbio competere per un Oscar.
Il film è ambientato durante gli anni di piombo in Italia, un periodo di tumultuose lotte politiche e sociali, ma la sua forza sta nel raccontare un microcosmo familiare in cui un padre, Luigi Comencini, regista di grande valore, decide di stare accanto alla figlia Francesca, aiutandola a superare i suoi problemi di tossicodipendenza. La storia non è solo quella di una guarigione fisica, ma di un incontro emotivo profondo, di una trasformazione che passa attraverso l’amore incondizionato.
La relazione tra i due protagonisti è splendida, caratterizzata da un’intimità rara. La figura del padre è una figura di rispetto, di forza e di sostegno, ma anche di grande vulnerabilità. Il loro scambio di pensieri e la creatività che sprigionano insieme mentre leggono Pinocchio o mentre pensano alla musica da usare per il film sono momenti che illuminano la trama, facendo sentire lo spettatore parte di quella connessione speciale.
In una delle scene più toccanti, Francesca e suo padre si trovano in Piazza del Popolo a Roma, davanti al circo, e lei ha paura della balena. La paura di Francesca evoca ricordi personali della stessa paura che l’autrice provava da bambina, un’emozione universale che parla a tutti, e la scena diventa un piccolo miracolo di emozioni condivise. La musica di sottofondo, Stasera mi butto, amplifica la delicatezza di questo momento.
Il film non è solo una riflessione sul rapporto familiare, ma anche sul cinema. Luigi Comencini, con il suo approccio rispettoso e umano sul set, diventa per Francesca una fonte di ispirazione artistica. Il suo motto “prima la vita e poi il cinema” risuona forte e chiaro in ogni fotogramma del film, mostrando che la vera arte nasce dalla profondità dell’esperienza umana.
Questo film, con la sua eleganza e il suo profondo senso di umanità, è un vero e proprio tributo a una figura paterna che tutti dovrebbero avere. Il messaggio di Il tempo che ci vuole è universale: l’amore genuino e senza riserve può curare, può salvare, può trasformare. Un film che tutti dovrebbero vedere, perché, come il titolo suggerisce, è proprio il “tempo che ci vuole” a fare la differenza nelle relazioni umane.
Francesca Comencini ha creato una pellicola che, oltre a essere un grande atto d’amore per il padre, è una lezione di cinema, di vita e di speranza. Un film che sprigiona amore in ogni scena, e che resterà nel cuore di chi lo guarda.
Il tempo che ci vuole è stato presentato fuori concorso all’81ª Mostra del Cinema di Venezia, e distribuito nelle sale italiane il 26 settembre 2024, ricevendo il consenso della critica per la sua bellezza e sincerità. Il film è una dichiarazione d’amore che resiste nel tempo, un esempio di come l’arte e la vita possano incontrarsi e generare una forza straordinaria. Tra il 12 e il 16 Marzo 2025 è arrivato anche a Londra al festival Cinema Made in Italy.
E adesso godetevi la mia intervista con Francesca, che mi ha fatto anche commuovere in diretta in diversi momenti dei nostri 40 minuti insieme.
Monica Costa: Il film racconta il tuo viaggio tra gli anni di piombo, la dipendenza e l’amore di tuo padre. Il legame con tuo padre nel film è fatto di scambio creativo e pensieri profondi. Come descriveresti questa relazione e come si riflette nel cinema che avete creato insieme?
Francesca Comencini: Sono molto felice che ti sia piaciuto così tanto. Sono anche pochi i film che parlano di questa relazione così fondamentale tra padre e figlia, che da zero a novanta anni è la relazione fondante per ogni donna. Questa relazione è raccontata dal punto di vista della figlia. La relazione con mio padre è il cuore del film ed è molto difficile definirla, perché ha molte sfaccettature. Sicuramente è una relazione molto profonda, in cui queste due persone si vedono veramente, non solo come padre e figlia, ma come due persone che si guardano veramente, che si conoscono profondamente. A volte, nei legami familiari, ci si guarda, si vive anche nella stessa casa, ma non ci si vede veramente. In questo caso, invece, ci sono due persone che si vedono per quello che sono, e soprattutto vedono le loro vulnerabilità. E questo è il punto cruciale della nostra relazione, che si riflette anche nel cinema che abbiamo creato insieme. È molto inusuale perché i genitori di solito vogliono dare un esempio di forza. Ma in questo caso, il padre dà un esempio di forza mettendo a disposizione la propria vulnerabilità. È raro per un padre. Abbatte gli obblighi del successo e della forza e ti dice che, attraverso lo sguardo, il vedersi, il riconoscersi come esseri umani, si può diventare forti in un altro modo.
Monica Costa:
Tuo padre, parlando di Lucignolo in Pinocchio, ti insegna che la libertà è profonda e che non esistono bambini cattivi. Quanto ha influito questa visione nella tua concezione della libertà e nella tua vita?
Francesca Comencini: La visione di mio padre sulla libertà è stata fondamentale per me. La sua è una posizione favolistica ma profondamente etica, che crede che nessuno nasca cattivo. Anche nei personaggi più disgraziati c’è qualcosa da raccontare, che vale la pena essere guardato. La mia idea di libertà è stata più ribelle e anarchica di quella di mio padre (e questo lo ha fatto molto soffrire), però l’idea di libertà all’interno dei confini della libertà altrui, il senso del rispetto degli altri senza giudicare, mi è rimasta.
Monica Costa: Sono concetti molto profondi. Il film è bello perché esprime questi concetti in modo semplice e visualmente poetico, quindi facili da recepire. È intuitivo su diversi livelli e si capisce bene.
Francesca Comencini: Quello che dici è un grande complimento perché il cinema deve essere così, ma purtroppo non lo è.
Monica Costa: La scena del circo in Piazza del Popolo a Roma, con la tua paura della balena, mi ha fatto pensare a un’esperienza simile con mio padre, quando lui mi portò a vedere lo spettacolo dei delfini a Riccione. Cosa ha significato per te quel momento e come si lega al tema della paura e del sostegno paterno nel film?
Francesca Comencini: La scena del circo è davvero significativa nel film. La paura della balena rappresenta qualcosa di universale, una paura che ha radici nell’infanzia, ma che ci accompagna anche da adulti. Anche quando siamo cresciuti, quella paura può riaffiorare, specialmente quando ci troviamo in situazioni che ci spaventano. Tutti noi abbiamo un tendone del circo che ci spaventa. Però il padre vede la paura della figlia. Se ne accorge, è un padre attento e che vede anche ciò che di solito i genitori hanno paura di vedere e riconoscere: le paure e le fragilità dei loro figli. Quindi lui la porta a cercare di vincere la sua paura. Sono contenta che parli di quella scena, perché per me è importante. Il padre, allo stesso tempo, rimane severo, si arrabbia e mantiene il suo ruolo di padre, pur rispettando il fatto che la bambina abbia paura. Riconosce la sua paura, la mette alla prova e la lascia fuori. È un momento molto importante, perché è anche un momento di separazione. Il padre le fa assumere le sue responsabilità della sua stessa paura. È una bella lezione.
Monica Costa: La balena è un po’ un filo rosso che lega tutto, una metafora ricorrente in tutto il film.
Francesca Comencini: La scena della balena è un momento molto potente. La paura, anche quella di una balena, resta con noi, a lungo, anche quando la bambina cresce. La paura della balena rappresenta qualcosa di universale, una paura che ha radici nell’infanzia ma che ci accompagna anche da adulti.
Monica Costa: Il film è ambientato negli anni di piombo. Come ti ha influenzato quel periodo e come pensi che il cinema e l’arte possano raccontare momenti di crisi?
Francesca Comencini: Gli anni di piombo sono stati un periodo molto difficile, segnato da traumi collettivi come la strage di Piazza Fontana e il rapimento e l’uccisione di Aldo Moro, ma anche da un’intensa attività artistica e cinematografica, che sono diventate strumenti di riflessione e testimonianza.
Quegli anni mi hanno influenzato molto, perché hanno segnato non solo un periodo di conflitto sociale, ma anche una frattura culturale. Il cinema, per me, è sempre stato un mezzo per raccontare questi momenti di crisi, per cercare di capire e di confrontarsi con il passato, per non dimenticare. Ma è anche un modo per esplorare il presente, per interrogarsi su come certe dinamiche, certe paure, certi conflitti siano ancora rilevanti oggi. L’arte ha sempre questa funzione: raccontare le crisi per fare in modo che il pubblico non le dimentichi, ma le affronti con maggiore consapevolezza. Questi racconti possano essere delle testimonianze che risuonino in questa accelerazione che il mondo sta prendendo.
Monica Costa:Tuo padre ti è stato vicino nei momenti difficili, come durante l’astinenza. Che ruolo ha avuto l’amore genitoriale nel tuo processo di guarigione e come ha influenzato il tuo approccio all’arte?
Francesca Comencini: Come racconto nel film, mio padre mi ha salvato la vita con grande dolcezza e ostinazione. Mi ha dato la vita due volte. E mi ha insegnato tutto nella vita. Questo film è un modo per dirgli grazie, anche se se n’è già andato da un po’ di tempo. Perché non è mai troppo tardi per dire grazie. La sua presenza è dentro di me. Il film è uno slancio d’amore molto forte e a un volume alto per esprimere questa cosa.
Monica Costa: C’è un momento su un set in particolare in cui ti sei sentita particolarmente vicina a tuo padre, non solo come regista e figlia, ma come due persone che condividono un’esperienza artistica profonda?
Francesca Comencini: In realtà, noi abbiamo collaborato veramente poco. Io sono stata sul set da bambina, poi ho fatto un percorso mio. Ho partecipato al suo ultimo film, che ho mostrato nel mio film, ed era Marcellino pane e vino (il remake). Sicuramente mi sono sentita sempre molto vicina a lui, ma forse di più sul set di Pinocchio perché ero bambina e, pur non capendo nulla di come si facesse il cinema, percepivo la felicità di mio padre.
Lui aveva sognato tutta la vita di fare Pinocchio. Era un uomo dall’apparenza molto severa e corrucciata, pur essendo molto tenero. Ma sul set di Pinocchio aveva sempre un leggero sorriso. Era come se si muovesse su una nuvola di felicità, perché lì c’era tutto ciò che lui amava: l’infanzia, la favola, la società italiana contadina povera da raccontare con quella crudezza e quella magia.
Alla fine, metteva in pratica ciò in cui credeva: che non c’è niente di più magico della realtà. Quello che mi arrivava era vedere mio padre così felice. La scena della luce a cavallo, cioè la luce del crepuscolo, e la bambina che immagina il padre arrivare a cavallo portando le lucciole alla figlia, mi emoziona ancora profondamente.
Monica: Se potessi tornare indietro, quale momento con tuo padre rivivresti e cosa speri che il pubblico porti con sé guardando il tuo film?
Francesca Comencini: Se potessi tornare indietro, vorrei rivivere i momenti della mia pre-adolescenza, prima che iniziassero i miei problemi. Quando parlavo di libri e arte con mio padre tutto il tempo.
Vorrei non averlo deluso così tanto facendo quello che ho fatto, cose di cui mi sono vergognata tutta la vita nei suoi confronti. Se potessi tornare indietro, tornerei al momento prima di sbagliare. Ma siccome non si può, noi siamo anche i nostri errori, come ho cercato di dire in questo film.
Se potessi tornare indietro, tornerei a quando lui non era ancora malato e io ero ancora una ragazzina, ma un po’ più adulta, e riprenderei quelle chiacchierate che avevamo in quel momento.
Col mio film vorrei fare un elogio del fallimento, che non è il contrario del successo, ma è la condizione per la possibilità del successo. Se c’è un dono che un padre dà a sua figlia è autorizzarla a fallire, dicendole: “Anche io ho fallito. Io sono stato come te.”
Monica Costa: Nel film si riflette sulla libertà: quella di essere sé stessi, di creare, di affrontare le proprie paure. Cosa significa per te la libertà in questo contesto e come il cinema diventa uno strumento di liberazione?
Francesca Comencini:
La libertà è un sentimento molto intimo, che è dentro di te e che non puoi definire. È qualcosa che ti autorizzano i tuoi genitori, ma non è una libertà irresponsabile.
Per me, la libertà va legata al senso di responsabilità, è qualcosa di intimo che ti spinge a fare una cosa, ma mai disgiunta dal senso del dovere. La libertà ha a che fare con i limiti e con il senso di responsabilità.
Monica Costa:
Spero che questo film ti porti tanto successo. Te lo meriti veramente.
Francesca Comencini:
Mi sta portando tanto amore, come quello che mi hai dato tu, Monica. Che questo slancio d’amore si trasmetta a chi lo vede è il regalo più bello.
